12 PRINCIPLES ou comment et quand utiliser les 12 principes?

Bonjour à tous,
La première chose que l'ont nous enseigne lorsqu'on étudie l'animation se sont les 12 principes et au jour d'aujourd'hui ces régles sont devenus des bases fondamentales de l'animateur.

Mais le fait de les conaître ne nous apporte pas grand choses (Hormis le fait de faire le malin au prés de votre beau-frère lors d'un repas de famille) si vous ne savez pas comment les appliquer .

Je les ai analysé un peu et je vous transmets comment et quand les utiliser lors d'une animation:22-12-principes-post-it

ROUGH BLOCKING
Lors du Rough Blocking, vous devez marquer un minimum de poses principales ou Golden Poses afin que votre plan soit compris à la première impression et lecture.
1. STAGING : C'est semblable à ce que dans le théâtre ou le cinéma l'on appelle la mise en scène. Lors de la création de votre Staging, vous devez vous assurez de diriger l'attention du spectateur et de laisser clair ce qui est le plus important dans votre scène à travers vos compositions et de vérifiez que vous avez utilisé le décor à votre avantage.

BLOCKING
Dans cette étape,, vous devez marquez toutes les poses principales afin que votre directeur ait toutes les informations de poses et timing que vous voulez transmettre.
2. SOLID POSE : Pour moi, ce principe signifie tenir compte de la biomécanique et de l'anatomie du personnage. Assurez-vous que, lors de la construction de vos poses, vous marquez les angles du torse et des épaules en fonction du poids, de l'équilibre et des point d'appuis.
3. ANTICIPATION : Elle est utilisé pour préparer le public à une action et pour que celle-ci semble plus réaliste. Vérifiez que chaque action soit suffisamment “annoncée” afin de ne pas confondre le spectateur.
4. APPEAL : Celà correspond à ce qui est connu comme le charisme d'un acteur. Assurez-vous que votre personnage attire l'œil et soit agréable auprés du public grace aux détails et à l'harmonie de vos poses.
5. TIMING : Celà se réfère au nombre d'images utilisées pour une action donnée, que l'on traduit dans le cinéma par la vitesse d'une action. Vérifiez que vous avez été clair, crédible et divertissant.
6. EXAGGERATION : C'est un effet souvent utilisé en animation, vu que recopier la réalité jusqu'au moindre détail peut rendre votre animation statique ou ennuyeuse. Poussez vos poses, vos actions et votre timing afin de soutenir vos concepts.

BLOCKING ADVANCED
Ici, nous recherchons l'énergie de votre plan et nous vérifions que les propriétés physiques fonctionnent grâce à votre rythme et spacing.
7. SLOW-IN & SLOW-OUT : Le mouvement du corps humain et de la plupart des objets nécesite du temps pour accélérer et décélérer. Travaillez votre spacing afin d'éviter les mouvements mécaniques et les interpolations automatiques et definissez le rythme de vos actions.
8. SQUASH & STRETCH : Celà consiste en la compression (Squash) et l'étirement (Stretch) des objets animés sans modifier leurs volumes apparents. Une fois l'espacement travaillé, cherchez quel sont les moments où les masses sont étirées et comprimées afin de donner une sensation de poids et la flexibilité aux objets.
9. SECONDARY ACTION : Cela signifie l'ajout d'actions secondaires à l'action principale pour donner plus de vie à la scène et aider à soutenir votre acting. Cherchez des petits mouvements auxiliaires conçus pour enrichir l'action principale sans arriver à distraire.

SPLINNING
C'est l'étape où vous assurez la dynamique du corps et vous vérifiez que tout soit fluide et lisible pour votre directeur.
10. ARCS : La plupart des actions naturelles ont tendance à suivre une trajectoire en forme d'arc, voilà donc pourquoi vous devez recréer ces «arcs» pour apporter une sensation de réalisme à votre animation. Ouvrez et soigner vos arcs afin de faciliter la lecture des mouvements et de leur donner plus de fluidité.

POLISHING
Pour finir, le polishing vous permet d'affiner votre plan et d'y rajoutez de la texture.
11. FOLLOW THROUGH & OVERLAPPING ACTION : “Follow Through” Cela signifie que les pièces non reliées au corps doivent continuer à se déplacer, même après que la personne ait cessé de bouger et “Overlapping Action” lorsque les parties de corps ont tendance à se déplacer à différentes intensitées. Une fois que votre spline est fini et approuvé par le directeur et vous pouvez animer les overlaps des parties segundarias telles que les queues, oreilles, casquettes, objets suspendus, etc…

WORKFLOW GENERAL
12. STRAIGHT AHEAD ACTION & POSE TO POSE : “Straight Ahead” Cela signifie définir votre animation image par image du début jusqu'à la fin, tandis que l'animation “pose to pose” vous implique commencer par les poses clés puis remplir peu à peu les espaces intermédiares. Pour moi, ces deux concepts se réfèrent à la méthodologie de travail décrite ci-dessus. Bien que nous avons tendance à alterner entre ces deux façons de travailler, le “pose to pose” est plus souvent utilisé pour l'étape du blocking tandis que le “straight ahead” est plus fréquement utilisé au moment du polish.

NOTE
Comme vous pouvez le voir la première partie du principes se dirige vers l'acting (Staging, Solid Pose, Anticipation, Appeal, Timing, Exaggeration, Secondary Action) tandis que la seconde sont des techniques pour consolider les physiques (slow-in & slow-out, arcs, follow through & overlapping action, straight ahead action & pose to pose)

Personnages cedés par boutique23.com

J'espère que ça vous a servi…
Continuez à animer!!

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3 Réponses à «12 PRINCIPLES ou comment et quand utiliser les 12 principes?”

    1. La musicalidad, aunque sea un tema importante, no hace parte de los 12 principios por eso no lo trate. Si quieres, hablo de musicalidad en el artículo de timing. En tout cas, gracias por tu comentario 😉

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